Baroque
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Le mot baroque dont l'étymologie portugaise signifie « bizarre » (barroco désignant des perles aux formes irrégulières) est compris aujourd'hui comme qualifiant l'art de la période qui commence en Italie lors de la Contre-Réforme (milieu du XVIe siècle) et qui se diffuse dans une grande partie de l'Europe et de ses dépendances — Amérique latine — jusqu'au XVIIIe siècle.
Le qualificatif s'applique à toutes les formes d'art, et principalement l'architecture, mais aussi à la peinture, la sculpture, la littérature et la musique. Le style baroque laisse libre cours à la sensibilité et exprime souvent l'angoisse — Jean de Sponde —, l'exubérance, etc., par des jeux de style exagérés et parfois parodiques. Jorge Luis Borgès définit le baroque pour un artiste comme un abus de son propre style. Au sens premier, le baroque est donc l'antithèse de la sobriété, de la retenue. Il est emphatique, déclamatoire, grandiloquent. Mais dans beaucoup de cas le mot tend plus à situer la période que les caractéristiques de l'œuvre considérée. C'est ainsi que les anglo-saxons considèrent souvent comme écrivains « baroques » les auteurs dramatiques Pierre Corneille et Jean Racine que les francophones considèrent quant à eux — et avec raison — comme les héros du classicisme.
Le baroque a été critiqué par les protestants, en particulier les Puritains. Certains ont vu dans cet art une dégénérescence de l’art de la Renaissance. Les positivistes du XIXe siècle ont condamné sa fantaisie et son apparent désordre. Les artistes des XVIIe et XVIIIe siècles n’ont pas utilisé le terme baroque pour qualifier leurs œuvres. Certaines réalisations sont ambiguës et difficiles à classer : le château de Versailles a une architecture classique, mais l’exubérance de la décoration intérieure évoque plutôt la fantaisie baroque. Il faut aussi replacer l’art baroque dans son contexte social et politique. Il se développe selon des modalités très différentes d’un pays à l’autre.
Le baroque a eu le plus de succès et de diffusion en Italie (maniérisme), dans la péninsule ibérique (pendant le siècle d'or, courants du gongorisme et du conceptisme en littérature), dans les pays germaniques méridionaux et d'Europe centrale ainsi qu'en l'Amérique Latine, tous pays où la Réforme catholique s'est manifestée avec le plus de force et de succès. La France, en fait, est peu touchée par le mouvement — en poésie, Malherbe, Théophile de Viau — : sous l'égide du Roi-Soleil s'élabore un style classique national caractéristique qui fait — par exemple — choisir, pour la colonnade du Louvre, les plans de Claude Perrault mis en œuvre par Louis Le Vau, au détriment du projet du Bernin.
Il oppose en quelque sorte, et par réaction avec les tendances iconoclastes et de dépouillement artistique des religions réformées, une exubérance des formes propre à surprendre, à séduire le spectateur et à exalter la magnificence de Dieu et le faste de la « vraie religion ». Le style baroque s’applique donc le plus souvent aux édifices catholiques.
Il a pu aussi essaimer du fait de l'expatriation des artistes formés à son école : c'est ainsi qu'on le retrouve dans la Saint-Pétersbourg fondée par Pierre le Grand et construite, sur son ordre, par des architectes italiens.
[modifier] Caractéristiques du baroque
Ce mouvement se caractérise par les prédominances du thème du déséquilibre en sculpture, en peinture, en littérature et en musique.
Ceci s'explique par les récentes découvertes de Copernic et de Galilée, qui contestent que la Terre soit le centre de l'univers et qui affirment qu'elle est ronde et qu'elle tourne autour du Soleil ; ces thèses contredisant l'idée couramment admise depuis des millénaires, une panique générale s'installe. On ne peut en effet avoir confiance en rien, même pas en la Terre que l'on a sous les pieds, tous les points de repères étant abolis. La meilleure représentation de cette idée est le groupe Apollon et Daphné du Bernin.
Les découvertes d'Ambroise Paré dans le domaine médical poussent à la réalisation d'œuvres exprimant la beauté musculaire du corps humain représenté nu.
En littérature, c'est le thème du double, du faux semblant qui prend sa place. Le thème de la chute est souvent évoqué, le goût du bizarre développé avec des fantômes, une obsession de la mort que l'on doit à la fin récente des guerres de religion en Europe.
Ces présentes guerres ayant tout dévasté, de grands investissements sont faits pour reconstruire les bâtiments où s'exprime avec puissance l'incertitude baroque au travers d'une surcharge décorative et d'un goût prononcé pour le gigantisme.
Les thèmes récurrents sont : la peur de la mort, le thème de l'eau courante signifiant le temps qui passe, mais aussi en lien avec la mort symbolisée par l'eau chez les Grecs, Romains et Celtes, la chute qui entraîne la mort, la métaphore des sables mouvants, les sabliers et le temps qui passe, les formes rondes en référence aux perles de forme irrégulière, les reflets et la référence au mythe antique de Narcisse, les mises en abyme.
[modifier] Architecture
[modifier] Architecture baroque en Italie
L’Italie et Rome en particulier, sont considérées comme le berceau du baroque pour plusieurs raisons : Rome est la capitale de la chrétienté latine ; dans le contexte des réformes protestantes qui ébranlent sa suprématie en Europe, l’Église catholique doit réagir : l’ordre des Jésuites est fondé en 1537, pour renforcer l’influence catholique, jusqu’au Nouveau Monde. Le pape réunit le Concile de Trente (1545-1563) afin de sortir l’Église de la crise. L’une des solutions adoptées est de construire des églises somptueuses afin de séduire et impressionner les fidèles. Le style baroque se développe à partir de la deuxième moitié du XVIe siècle, d’abord à Rome, puis dans le reste de l’Italie.
- Rome
- Basilique Saint-Pierre et Fontaine des Quatre Fleuves de Gian Lorenzo Bernini
- Église Santa Susanna
- Église San Marcello a Corso
- Église Santa Agnesa
- Église Santi Luca e Martina, 1635-1650
- Reste de l’Italie
- Venise : Église de La Salute, de plan octogonal réalisé par Longhena
- Turin : palais Carignan (1679-1685), par Camillo-Guarino Guarini
- Sicile (Article détaillé : Baroque sicilien) :
Les grands noms du baroque italien sont :
- Le Bernin
- Francesco Borromini (1599-1667)
- Carlo Maderno (1556-1629)
- Carlo Fontana
- Andrea Pozzo
- Pietro da Cortona
- Giacomo Amato (1643-1732)
- Rosario Gagliardi (1680-1726)
- Giovanni Battista Vaccarini (1702-1769)
[modifier] Architecture baroque en France
Elle touche essentiellement les régions frontalières : Flandres, Italie et Espagne baroques influencent l’art français. De nombreux retables adoptent les manières baroques dans les églises françaises. Mais la volonté de prestige de Louis XIV fait éclore le classicisme à la française qui concurrence dans de nombreuses cours européennes l’art italien.
La limite entre classique et baroque n’est pas aussi stricte que certains historiens d’art français voulaient bien le croire. La chapelle des Invalides (1706) de Jules Hardoin-Mansart, en est un bon exemple. Le plan général de l’édifice est simple : une croix grecque inscrite dans un plan carré. Chacune des façades est composée de deux ordres superposés, soulignés par un porche surmonté d’un fronton triangulaire. Le dôme est posé sur un haut tambour dont le second étage est orné de hautes fenêtres. C’est à ce niveau que la très grande rigueur « classique » de l’architecture évolue sensiblement : la partie basse du tambour est entourée de colonnes géminées entourant de hautes fenêtres aux linteaux courbes, ces colonnes ne sont plus disposées régulièrement aux points cardinaux de l’édifice car elles sont alors regroupées en deux fois deux pour assurer la stabilité du dôme. Pour la même raison, de petites volutes, à l’image de La Saluta de Venise, sont disposées sur cette couronne de colonnes, à la base de la seconde partie du tambour. La coupole de forme ovoïde, entourée de pots à feu, est recouverte de riches motifs dorés de trophées et percée d’oculi. Enfin, elle est surmontée d’un lanterneau que n’aurait pas renié Boromini. C’est un petit pavillon carré, posé en biais par rapport à la façade, aux angles décorés de colonnes sur lesquelles sont disposées des statues. L’ensemble est enfin surmonté d’un obélisque effilé terminé d’une croix. D’une base à structure carrée surmontée de frontons triangulaires, on passe insensiblement à des formes complexes où les courbes dominent : tambour, dôme, oculi, volute…
- L'institut de France de Louis Le Vau
- Le Collège des Quatre Nations
- La Chapelle du Val de Grâce à Paris
- Le palais de Versailles
- L'église Saint-Sulpice de Paris
- L'abbaye des Prémontrés de Pont-à-Mousson
- L'Église Saint-Sébastien de Nancy
- Le château de Champs-sur-Marne
- L'église Saint-Louis du Prytanée de La Flèche (Sarthe)
- L'Hôtel des Invalides à Paris
- La chapelle de la Charité de forme ovoïde(quartier du Panier à Marseille) construite par l'architecte Marseillais Pierre Pujet
[modifier] Architecture baroque en Espagne
- La Cartuja de Grenade
[modifier] Architecture baroque en Amérique
- Ouro Preto au Brésil
- Morelia au Mexique
- Cathédrales de Mexico et de Buenos Aires.
[modifier] Architecture baroque dans les pays germaniques méridionaux
Il faut attendre la fin de la guerre de Trente Ans, en 1648, pour que l’art baroque s’épanouisse avec force en Autriche et dans les pays allemands du sud (Bavière…). Cette période faste atteindra son apogée entre 1690 et 1720, notamment par suite du déclin du baroque en Italie. Dès lors les nouveaux foyers de création sont à Vienne, à Prague et dans toutes ces campagnes, car il ne faut pas oublier que le baroque est avant tout catholique.
Ainsi la ferveur des pays d'Allemagne du Sud, opposée à ceux, protestants d'Allemagne, comme la Prusse, pousse la multitude d'abbayes, et de principautés ecclésiastiques à construire de somptueux bâtiments. C'est l'époque où l'Allemagne est morcelée par le Kleinstaaterei, chaque micro état, chaque micro prince, ou d'un rang plus élevé, se fait construire de fasteux palais. Aidé par leurs importants revenus financier, les abbayes comme Ottobeuren, Zwiefalten, Benedediktbeuren, Rottenbuch… font appel aux grands architectes allemands, dont beaucoup se sont formés en Italie. Il n'en demeure pas moins qu'il développe un style propre à l'Allemagne méridionale, fait de mouvement et de couleur qui aboutira au Rococo.
Parallèlement, la puissance de l'Autriche s'affirme, et comme pour mieux souligner l'ascension de la monarchie des Habsbourg, la Cour de Vienne se fait bâtir nombre de palais par les grands architectes que furent Lukas von Hildebrandt et Fischer von Erlach. Le renouveau du baroque au début du XVIIIe siècle est bien en Autriche, autant dans les campagnes grâce à Prandtauer que à Vienne.
[modifier] Grands architectes du baroque germanique
- Egid-Quirin Asam (1692-1750)
- Christophe Dientzenhofer et son fils :
- Kilian Ignace Dientzenhofer (1689-1751)
- Johann Michael Fischer (1692-1766)
- Johann Bernhard Fischer von Erlach (1656-1723)
- Ritter zu Groenesteyn (1692-1765)
- Lukas von Hildebrandt (1663-1745)
- Johann Balthasar Neumann (1687-1753)
- Matthäus Daniel Pöppelmann (1662-1736)
- Jakob Prandtauer (1660-1726)
- Peter Thumb (1681-1766)
- Maximilian von Welsch (1671-1745)
- Dominikus Zimmermann (1685-1766)
[modifier] Édifices majeurs du baroque germanique
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- Édifices religieux
- Abbaye bénédictine de Melk
- Abbaye de Benediktbeuern
- Résidence épiscopale de Würzburg
- Église de Steinhausen
- Église de la Wies
- Abbaye de Rottenbuch
- Abbaye de Saint-Gall
- Église de Vierzehnheiligen
- Église de Steingaden
- Monastère d'Ottobeuren
-
- Édifices civils
- Château de Pommersfelden
- Neues Schloss et Ermitage de Bayreuth
- Palais du Belvédère à Vienne
- Zwinger de Dresde
[modifier] Architecture baroque en Europe orientale
L'église Saint-Nicolas de Malá Strana à Prague, est l'un des plus purs exemples de l'architecture de la Contre-Réforme en Europe Centrale.
[modifier] Musique
*Article détaillé : Musique baroque
- Voir aussi : Jean-Sébastien Bach, Claudio Monteverdi, Georg Friedrich Haendel, François Couperin, Antonio Vivaldi, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, etc.
[modifier] Peinture
[modifier] Sculpture
- Le Bernin (aussi peintre et architecte)
[modifier] Art dramatique
- La vie est un songe - Pedro Calderón de la Barca
- Roméo et Juliette - William Shakespeare
[modifier] Voir aussi
- Siècle d'or espagnol
- Le Maniérisme, phase tardive de la Renaissance artistique
- Le Classicisme, art contemporain du baroque
- Le Rococo, style décoratif intérieur qui succéda ou prolongea au baroque
- Le Baroque sicilien
[modifier] Liens externes
[pdf] Un critère pour le baroque par Gilles Deleuze
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[modifier] TRADUCTION DE L'ARTICLE BAROQUE DE EN.WIKIPEDIA.ORG (en cours de traduction)
Dans le domaine des arts, le Baroque (ou baroque) désigne à la fois une époque et son style prédominant. Le style baroque utilise une exagération du mouvement, un détail d’interprétation aisée dans le but de créer un effet dramatique, une tension, de l’exubérance et de la grandeur, dans les domaines de la sculpture, peinture, littérature et musique. Ce style naquit vers 1600 à Rome en Italie et se répandit dans la plupart des pays d’Europe. En musique, le baroque s’applique à la fin de la période de la domination du contrepoint imitatif.
(Ce nom est adapté d’un adjectif français dérivé du nom portugais “barroco”; les deux décrivent une perle de forme irrégulière. L’utilisation de la version du mot « baroque » en minuscules pour à la fois l’époque et le style peut prêter à confusion. Dans ce dernier cas il signifie simplement « élaboré » [ou surtout « extrêmement élaboré »] sans impliquer de relation avec cette époque.)
La popularité et le succès de “Baroque” fut encouragé par l’Église catholique quand elle décida que le côté dramatique du style des artistes du Baroque pouvait promouvoir des thèmes religieux avec un implication directe et émotionnelle. L’aristocratie laïque considérait également l’effet dramatique des arts et de l’architecture baroque comme une façon d’impressionner leurs visiteurs et leurs éventuels rivaux. Les palais baroques sont constitués d’une succession de cours à l’entrée, d’antichambres, de grands escaliers et de salles de réception, dans un ordre de splendeur croissante. De nombreuses formes d’art - musique, architecture et littérature - s’inspirent les unes des autres au sein du mouvement culturel "Baroque".
[modifier] L'évolution du Baroque
Le Baroque débuta aux alentours de 1600. Le droit canon promulgué au Concile de Trente (1545–1563), par lequel l’église catholique souhaite que dans le contexte des églises, les arts représentatifs, les peintures et les sculptures, s’adressent aux illettrés plutôt qu’aux gens bien éduqués. Il est gracieusement offert à l’inspiration du Baroque, qui apparu néanmoins une génération plus tard. Ceci amena à une conception populiste de la fonction de l’art ecclésiastique telle que l’ont vue de nombreux historiens de l’art, conduisant aux créations de Caravaggio et des frères Carracci, lesquels travaillaient à Rome vers 1600 (en concurrence pour des commissions).
Le charme du style Baroque se transforma consciemment, passant de la finesse, des qualités intellectuelles de l’art maniériste du XVIe siècle au charme viscéral visant les sens. Il employait une iconographie directe, simple, évidente et dramatique (cf plus bas la sculpture de Prométhée). L’art Baroque s’inspira dans une certaine mesure des tendances héroïques d’Annibale Carracci et de son cercle, et trouva l’inspiration à travers d’autres artistes comme Corregio et Caravaggio et Federico Barocci, qualifiés parfois de nos jours de ‘proto-Baroque’.
Les idées germinales du Baroque se retrouvent également dans le travail de Michel-Ange.
Quelques générales analogies en musique rendent utile l’expression “musique Baroque”. Des phrases aux longueurs contrastées, l’harmonie et le contrepoint délogent la polyphonie, et les couleurs orchestrales apparaissent plus souvent. (Cf musique baroque). Une fascination semblable avec une expression simple, forte, dramatique, où les rythmes clairs, amples, syncopés remplacent les comparaisons métaphysiques, sophistiquées et entrelacées de Maniéristes comme John Donne. On ressent l’imagination fortement influencée par les développements visuels de la peinture dans le Paradis Perdu de John Milton, une épopée Baroque.
Bien que le Baroque fut supplanté dans de nombreux domaines par le style Rococo, débutant en France à la fin des années 1720, en particulier dans les intérieurs où peintures et arts décoratifs, architecture Baroque demeurait un style viable jusqu’à l’avènement du Néoclassicisme à la fin du XVIIIe siècle. Voir le palais napolitain de Caserta, un palais Baroque (malgré un extérieur sobre) qui n’était même pas commencé en 1752. Les critiques ont cessé de parler d’ « époque Baroque ».
En peinture, l’expression Baroque est plus ample que l’expression Maniériste : moins ambiguë, moins obscure et mystérieuse, plutôt comme l’expression de l’opéra, une forme d’art Baroque majeur. La pose Baroque s’appuie sur le Contrapposto (« hanchement »), une tension dans la forme qui déplace les plans des épaules et des hanches dans deux directions opposées. Cf le David de Benini (en bas à gauche).
Plus sèches et tempérées, moins dramatiques et coloristes, les dernières étapes du style architectural du XVIIIe siècle baroque sont souvent vues comme une manifestation distincte appelée Baroque tardif. (Cf. Claude Perrault). Les caractéristiques académiques dans le style architectural neo-Palladien, incarné par William Kent, sont un développement parallèle en Grande Bretagne et dans les colonies Britanniques : derrière les portes, le design des meubles de Kent sont vivement influencés par les meubles Baroques de Rome et de Gêne, tectoniques et hiératiques éléments sculptés qui n’étaient pas sensés être déplacés de leur position complétant l’édification d’un mur. Le Baroque est un style d’unité imposé par l’utilisation de riches et massifs détails.
Le Baroque a été défini par Heinrich Wölfflin comme l’époque où l’ovale remplace le cercle au centre de la composition, équilibre substitué de la centralisation, effets de couleur et de peinture commencèrent à devenir de plus en plus proéminents. Les historiens de l’art, souvent protestants, ont traditionnellement accentué le fait que le style Baroque évoluait à une époque où l’Église catholique réagissait face à plusieurs mouvements culturels produisant une nouvelle science et de nouvelles formes de religions – La Réforme. On a dit que le Baroque monumental était un style que la Papauté pouvait instrumentaliser, comme le furent les laïques monarchies absolues, en imposant une voie d’expression à même de restaurer son prestige, au point de commencement combien symbolique de la Réforme catholique. Que ce fut ou non le cas, son développement eut du succès à Rome où l’architecture Baroque renouvela largement le centre-ville ; peut-être la plus importante rénovation urbaniste.
[modifier] L'art graphique baroque
Article principal : l'art Baroque
Une définition de la signification de Baroque en peinture est fournie par les séries de tableaux exécutés par Pierre Paul Rubens pour Marie de Médicis au Palais du Luxembourg à Paris (à présent au Louvre) [1], dans lesquels un peintre catholique satisfait aux exigences d’un mécène catholique : les conceptions de la monarchie à l’ère Baroque, l’iconographie, la maîtrise de la peinture et les compositions tout comme la description de l’espace et du mouvement. De Caravaggio à Cortona, il y avait différentes ramifications dans l’école italienne baroque, tous deux approchant la dynamique émotionnelle dans des styles différents. Une autre œuvre fréquemment citée, Sainte Thérèse en extase de Bernini, pour la chapelle Cornaro de Ste Marie de la Victoire, rassemble architecture, sculpture et théâtre dans une grandiose vanité http://www.boglewood.com/cornaro/xteresa.html.
Le style baroque tardif fait progressivement place à une décoration Rococo, laquelle, cependant, contraste avec ce que l’on appela plus tard le Baroque.
[modifier] La sculpture baroque
En sculpture Baroque, les ensembles de figures prirent une importance nouvelle, il y eut un mouvement dynamique et une énergie portée par les formes humaines – elles s’enroulent en volutes autour d’un tourbillon central, ou atteignent vers l’extérieur les espaces alentours. Pour la première fois, la sculpture Baroque eut plusieurs angles de vue idéaux. Une caractéristique de la sculpture Baroque fut d’ajouter des éléments sculptés supplémentaires, par exemple, des éclairages dissimulés ou des fontaines.
L’architecture, les sculptures et les fontaines de Bernini(1598–1680) donnèrent les caractérisitques hautement chargées du style Baroque. Bernini était sans aucun doute le plus important sculpteur de la période Baroque. Il s’approcha de Michel-Ange, du point de vue de ses compétences multiples : Bernini sculptait, travaillait comme architecte, peignait, écrivait des pièces et mettait en scène des spectacles. À la fin du XXe siècle, Bernini était très reconnu pour sa sculpture, à la fois pour sa virtuosité à tailler le marbre et sa capacité à créer des formes alliant physique et esprit. C’était aussi un bon sculpteur de bustes très demandé des puissants.
[modifier] La chapelle Cornaro de Bernini : l’œuvre d’art total
L'extase de Sainte Thérèse (1645–52), créé pour la chapelle Cornaro de l’église Sainte Marie de la Victoire à Rome, est un bon exemple de l’œuvre du Bernin nous aidant à comprendre le Baroque. Il conçut la chapelle dans sa totalité pour la famille Cornaro, comme un espace auxiliaire sur un côté de l’église.
Dans les grandes lignes, Bernini avait façonné une boîte en brique formant une sorte de proscenium, une scène sur laquelle travailler. Sainte Thérèse, l’objectif de la chapelle, était une statue monochromatique de marbre (d’un blanc doux) entouré d’un encadrement architectural de marbre polychrome révélant une fenêtre pour éclairer la statue par le haut. En léger relief, les groupes de visages sculptés de la famille Cornaro occupent des boîtes d’opéra, le long de deux murs latéraux de la chapelle. L’observateur est placé, comme un spectateur en face d’une statue, où la famille Cornaro s’incline hors de son siège en forme de boîte et s’étire en avant pour apercevoir l’extase mystique de la Sainte. Thérèse est fortement idéalisée, de façon détaillée et dans un décor imaginaire. Thérèse d'Avila, une sainte populaire de la réforme catholique, écrivit des récits de son expérience mystique adressés aux nonnes de l’ordre des carmélites auquel elle appartenait ; ces écritures étaient devenues des lectures populaires chez les laïques en quête de spiritualité. Elle décrivit une fois l’amour de Dieu comme une flèche brûlante perçant son cœur. Bernini concrétise littéralement cette image en représentant Sainte Thérèse sur un clou, dans une posture d’inclination ; ce qui ne pourrait être interprété que par une image de Cupidon au dessus d’elle, tenant une flèche d’or (la flèche est en métal) et lui souriant. La figure angélique ne se prépare pas à plonger la flèche dans sons cœur, mais plutôt à la lui retirer. Le visage de Sainte Thérèse reflète non pas l’anticipation de l’extase, mais son actuel épanouissement, qui ne peut être dépeint que comme orgasmique.
Le mélange de religion et d’érotisme était une offense considérable, à la fois envers la retenue néoclassique et, plus tard, envers la pudeur victorienne ; c’est un aspect du génie Baroque. Bernini, qui dans la vie et dans ses écrits était un dévot catholique, n’est pas tenté de faire la satire d’une religieuse chaste, mais d’incarner dans le marbre une vérité complexe tirée de l’expérience religieuse – c’est une expérience qui a lieu dans le corps. Thérèse décrit sa réaction physique à l’illumination spirituelle dans un langage d’extase utilisé par de nombreux mystiques, et la description de Bernini est sincère.
La famille Cornaro se promeut discrètement dans cette chapelle ; elle est représentée visuellement, mais placée sur le côté de la chapelle, elle assiste à l’évènement depuis les balcons. Comme à l’opéra, les Cornaro ont une position privilégiée par rapport au spectateur, dans leur réserve privée, au plus près de la sainte ; le spectateur néanmoins a eu meilleure vue de face. Ils donnent leur nom à la chapelle, mais Sainte Thérèse demeure le sujet principal. C’est une chapelle privée, dans le sens où personne ne pouvait dire de messe à l’autel sous la statue (au XVIIe siècle et probablement jusqu’au XIXe) sans la permission de la famille ; mais la seule chose qui sépare l’observateur de l’image est la barrière de l’autel. Les fonctions de spectacle démontrent à la fois le mysticisme et la fierté de la famille.
[modifier] L'architecture baroque
Article principal : l'architecture baroque
Dans l’architecture baroque, l’accent est mis sur à la fois sur l’aspect massif et chargé, colonnades, dômes, clair-obscur, effets colorés de peinture, et le jeu chargé des volumes opposés au vide. Dans les intérieurs, le mouvement baroque se manifeste autour et à travers un savant escalier monumental sans précédent en architecture. L’autre invention du Baroque que l’on retrouve dans les intérieurs du monde entier est l’appartement public, une succession processionnelle d’intérieurs de richesse croissante culminant avec l’emplacement de la chambre à coucher, de la salle du trône, ou d’une chambre publique. L’enchaînement de l’escalier monumental suivi de l’appartement public fut copié à moindre échelle partout dans les résidences aristocratiques de toutes prétentions.
L’architecture baroque fut reprise avec enthousiasme dans la partie centrale de l’Allemagne (cf par exemple le Palais de Ludwisburg et Zwinger à Dresde), en Autriche et en Pologne (cf par exemple Wilanow et le palais de Bialystok). En Angleterre, le point culminant de l’architecture baroque fut incarnée par l’œuvre de Sir Christopher Wren, Sir John Vanbrugh et Nicholas Hawksmoor, de ~1660 vers ~1725. On retrouve de nombreux exemples d’architecture Baroque et de plan de ville dans les autres villes d’Europe, ainsi qu’en Amérique hispanique. Les plans de ville de cette époque comprennent de rayonnantes avenues, avec des squares à leurs intersections, s’inspirant des plans des jardins baroques.
par exemple cf : liste d’exemples d’architecture baroque typique
[modifier] L'architecture Néo-Baroque
- Paris Opera, Charles Garnier
- l’opéra Semper (Dresde)
[modifier] Danse et théâtre baroques
Dans le domaine du théâtre, l’élaboration de vanités, de multiples changements d’intrigue, et une variété de circonstances caractéristiques du Maniérisme (les tragédies de Shakespeare par exemple) sont supplantés par l’opéra qui regroupe tous les arts en un tout unifié.
La danse baroque était populaire à l’époque baroque.
[modifier] Littérature et philosophie baroques
En fait, le Baroque exalte de nouvelles valeurs que l’on résume souvent à l’utilisation de métaphores et d’allégories, que l’on retrouve largement en littérature baroque, et en recherche de « maraviglia » (merveilleux, étonnement – comme dans le Maniérisme), et l’utilisation d’artifices. Si le maniérisme ouvrit une première brèche à la Renaissance, le Baroque en fut la réponse opposée. On retrouva l’affliction psychologique de l’Homme – un thème abandonné après les révolutions de Copernic et de Luther dans la recherche d’un soutien solide, une preuve de l’ultime puissance humaine – à la fois dans l’art et l’architecture de la période baroque. Une part révélatrice des œuvres fut réalisée sur des thèmes religieux, depuis que l’Église Catholique Romaine était le principal "client".
Les artistes recherchaient la virtuosité (et le virtuoso devint une forme commune d’art) avec le réalisme, soucieux du détail (certains parlent d'une "complexité" typique).
Le privilège donné aux formes extérieures devaient composer et équilibrer le manque de contenu observé dans de nombreuses œuvres baroques : Maraviglia de Marino, par exemple, fut pratiquement réalisé à partir d’une forme primitive. Elles devaient susciter au spectateur, au lecteur, à l’auditeur, fantaisie et imagination. Toutes étaient focalisées sur l’homme en tant qu’individu, comme une relation directe avec l’artiste, ou directement entre l’art et ses utilisateurs, ses clients. L’art est alors moins distant de son utilisateur, s’approche de lui de manière plus directe, résolvant le fossé culturel qui tenait à l’écart l’art et l’usager l’un de l’autre, par Maraviglia. Mais l’attention croissante de l’individu, créa également avec ces principes quelques genres importants comme le Romanzo (roman) et met de côté d’autres formes populaires ou locales, en particulier la littérature dialectale, ce qu’il faut souligner. En Italie ce mouvement face au simple individu (que certains désignent comme un ‘descendant culturel’, tandis que d’autres l’indiquent comme une cause possible de l’opposition classique au Baroque) fut la cause du remplacement irrémédiable du latin par l’italien.
Dans la littérature anglaise, les poètes métaphysiques représentent un mouvement très apparenté ; leur poésie employait de la même façon d’inhabituelles métaphores, qu’ils examinaient souvent avec précision. Leurs vers manifestent un goût pour le paradoxe, et pour d’inhabituelles et délibérément inventives tournures de phrase.
[modifier] La musique baroque
Article princpal : Musique baroque
Le terme baroque est utilisé à la fois, pour désigner le style de musique composé au cours de la période chevauchant celle de l’art baroque, mais également pour inclure une période légèrement plus tardive. Jean-Sébastien Bach et Haendel sont souvent considérés comme leurs figures culminantes. L’étendue des points communs de la musique baroque avec les principes esthétiques des arts graphiques et littéraires de la période baroque est encore une question débattue. L’amour de l’ornementation est un élément commun assez clair, et il est peut être significatif que le rôle de l’ornement fut grandement diminué à la fois en musique et en architecture lorsque la période classique remplaça le baroque. On doit noter que l’application du terme « baroque » à la musique est un développement relativement récent : le premier usage du mot à appliquer à la musique apparut seulement en 1919, inventé par Curt Sachs, et il fallut attendre 1940 pour qu’il fût employé pour la première fois en anglais (dans un article publié par Manfred Bukofzer) ; même à la fin des années 1960, il y avait encore d’importants désaccords dans les cercles académiques pour déterminer si une musique aussi diverse que celle de Peri, Couperin et J.S. Bach pouvait de façon significative être regroupée sous une même appellation.
L’opéra naquit durant l’époque baroque à l’écart de l’expérience de Florentine Camerata, les créateurs de la monodie qui tentèrent de recréer les théâtre des arts de la Grèce antique ; effectivement, c’est exactement l’événement qui souvent avait l’habitude d’annoncer le début de la musique baroque vers 1600.
[modifier] Instruments typiques
[modifier] Exemples de musique baroque typique
- Gregorio Allegri (1582 - 1652), Miserere
- Jean-Sébastien Bach (1685–1750), L'Art de la fugue
- Antonio Vivaldi (1678–1741), L'Estro Armonico
- Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Les Indes galantes
- Domenico Scarlatti (1685–1757), sonates pour clavecin
- Georg Friedrich Haendel (1685–1759), Water Music en ré majeur pour orchestre
- Georg Philipp Telemann (1681 - 1767), Le jugement dernier (1762)
[modifier] Le terme "Baroque"
Le mot "Baroque", comme la plupart des périodes ou désignation stylistique, fut inventé par des critiques postérieurs plutôt que par les praticiens des arts du XVIIe et début XVIIIe siècles. C’est une traduction française du mot portugais "Barroco" (qui désigne une perle irrégulière ou un faux bijou – en particulier l’ancien mot similaire "Barroco" ou "Brillocco", qui est utilisé dans un dialecte romain avec un sens identique– et des perles naturelles s’écartant des formes habituelles régulières, de telle sorte qu’elles n’ont pas d’axe de rotation sont appelées "perles baroques"). Par ailleurs, il peut provenir d’un mot italien à présent désuet "Baroco" (signifiant en logique scholastique, un syllogismes avec un contenu faible). Il y avait une appellation commune de ce genre, avant que le terme Barocco ne fût utilisé, celui du style The Flying Forms.
Le terme "Baroque" était utilisé initialement avec un sens péjoratif, pour souligner l’excès de son emphase, l’excentricité de sa redondance, l’abondance bruyante de détails, comme opposé à la plus claire et sobre rationalité de la Renaissance. Il fut réhabilité une première fois par l’historien d’art d’origine suisse Heinrich Wölfflin (1864–1945) dans sa Renaissance et Baroque (1888) ; Wölfflin identifia le Baroque comme un « mouvement importé en masse », un art antithèse de l’art de la Renaissance. Il ne faisait pas de distinctions entre le Maniérisme et le Baroque, ce que font les auteurs modernes, et il ignore la phase plus récente, l’académie baroque qui dura jusqu’au XVIIIe siècle. Auteurs français et anglais ne prirent au sérieux son étude qu’à partir de l’influence de Wölfflin qui avait rendu l’école germanique prééminente.
Dans l’usage moderne, le terme "Baroque" peut encore être utilisé, en général péjorativement, pour décrire les œuvres d’art, d’artisanat ou pour concevoir ce qu’on pensait être ornementé de façon excessive ou d’une ligne complexe, ou, comme synonyme de 'Byzantine', pour décrire la littérature, les programmes d’ordinateurs, les contrats ou des lois que l’on pense trop complexes, indirectes, ou d’une langue obscure, pour dissimuler ou rendre confus leur sens. Une peur baroque est profondément ressentie mais aveuglément, au-delà de la réalité quotidienne.
[modifier] Voir aussi
[modifier] Liens externes
- Dictionary of the History of Ideas: Le Baroque en littérature
- Webmuseum Paris
- Le Baroque en Sicile
- Introduction à la question du baroque par Frédéric Dassas, Conservateur du musée de la Musique à la Cité de la Musique de la Villette.
- De la Renaissance à l'âge baroque
- Le mouvement et les peintres baroques - le site des Grands Peintres
- Pertinence du Baroque en France Une lecture d'une anthologie de poètes baroques
[modifier] Lectures suggérées
- Heinrich Wölfflin, 1964. Renaissance and Baroque (Reprinted 1984; originally published in German, 1888) The classic study.
- Michael Kitson, 1966. The Age of Baroque
- John Rupert Martin, 1977. Baroque A more detailed survey.
- Germain Bazin, 1964. Baroque and Rococo, (Originally published in French; reprinted as Baroque and Rococo Art, 1974)
- Dominique Fernandez, 1995 "La perle et le croissant" L'europe baroque de Naples à Saint-Pétersbourg Collection Terre Humaine/poche
- Eugenio d'Ors, 1935, Du Baroque
